Eltanin

Le digital painting, vous connaissez forcement, puisque tous les plus beaux artworks de jeuxvideos sont maintenant fait sur photoshop. Alors qu'une peinture réelle requière autant des connaissances techniques que d'une expérience des gestes longuement automatisés au fil des ans, la peinture numérique permet de sauter quelques étapes pour aller à l'essentiel de nos désirs.

Mais où est la prouesse artistique une fois que l'on a maîtrisé les techniques numériques ? Où se trouve le mérite dans une peinture qui doit son style à des brushs et des calques superposés en "Overlay" ? Est-ce qu'au fond ce n'est pas le résultat qui compte ?
D'ailleurs il existe un sous-genre: le speed painting. C'est à dire réaliser le plus rapidement possible une oeuvre qui prendrait probablement plusieurs jours avec une vraie toile, de vrais pinceaux, de vrais connaissances.
La vie est courte, et la peinture numérique est un bon moyen d'apprendre vite sans pertes d'argent (ou presque, au minimum une tablette graphique, le reste des logiciels se crackent aisément).

Il y a deux façon de procéder pour apprendre vite:
- faire des études : c'est à dire copier une photo, une scène de cinoche, etc, en essayant de retrouver les couleurs; apprendre à structurer ses formes; comprendre la composition (qui est en fait le plus important, une bonne composition et vous avez gagné.); décortiquer les rouages des perspectives, des reliefs, apprendre à utiliser au mieux les brush.

- faire des croquis: perfectionner une technique. Perfectionner la perspective, le choix des couleurs, la composition, etc. C'est un peu comme les études, sauf qu'ici on ne copie pas, on doit construire une image mentale avec la connaissance des techniques mises à disposition.

- Les creations: construire, du début à la fin, une image, une idée. Construire en faisant fonctionner toutes les connaissances, tout en laissant part à une certaine liberté voire improvisation. Des fois on part de formes quelconques pour parvenir à quelque chose d'inattendue.

Quelques exemples, je suis encore loin de tout maîtriser:

Etudes:
http://www.dailymotion.com/video/xo14di ... shortfilms

http://www.dailymotion.com/video/xnrxet ... ideogames#

Quelques speed:

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Je suis l'incapacité d'aimer de Jack.

Concernant les vidéos, je suis assez surpris, car tu sembles n'utiliser QUE des coups de pinceaux standards - pas même le fameux "doigt barbouilleur" (qu'on m'a toujours vendu comme la pièce maîtresse de Photoshop). Pourtant, le rendu est excellent. Au fond, la seule "facilité numérique" que tu as par rapport à un peintre classique est la possibilité de corriger facilement.

Par curiosité, combien de temps prend chacune de ces vidéos, en "temps réel" ?

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Et ne pas avoir les 100 euros de matériel à racheter tous les trois mois

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En fait, le numérique est même une contrainte, parce que la tablette graphique.... argh. J'ai essayé, mais c'est comme certaine pratiques sexuelles trop bizarres, je peux pas.

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En fait, justement le doight barbouilleur ne doit jamais être utilisé, car ça signifie que t'es dépendant d'un effet sans savoir le reproduire par des brushs. En fait, je n'utilise qu'un Brush, mais ce brush est un peu spécial, c'est une forme rectangulaire qui perd en opacité vers un bord, en ajoutant en plus l'option "opacité" ça permet de nuancer selon la pression du stylet. En fait ça donne un côté flouté assez cool pour sculpter les relief, et au fur et à mesure qu'on met en place les formes alors qu'on détaille plus précisement (mais faudrait que je fasse juste une video sur la config des brush en fait).

Sinon, pour ces études ça prend 50 minutes, comme on copie (et j'avais déjà le contour du perso en place surtout) donc ça va vite. Et ouais, corriger facilement c'est l'un des grands avantage de photoshop. Mais du coup ça a un autre avantage plus profond:

- un vrai artiste qui maîtrise ses calques mentales (genre il doit d'abord poser ses aplats, alors qu'en numérique tu peux les mettre à la fin si ça te branche ^^) est contraint de suivre des étapes qu'il a durement appris, donc il est déterminé à suivre une route qui le mène plus ou moins à un résultat connu par lui, par avance.

- Le mec qui touche au numérique, qui bidouille, a aussi une image en tête, sauf qu'avec tous ses calques il peut prendre plusieurs chemins et ne pas rester enfermé sur un modèle. Il est facile de changer le fond, de modifier les couleurs, ajouter un calque d'ambiance, etc. Et ça en quelques minutes, parfois c'est du bidouilage. Au fond il a plus de liberté, et je ne sais pas si on peut appeler de la facilité ou au contraire une émancipation de contraintes qui imposaient de prévoir certaines connaissances ("faire ça avant ça sinon ça va se mélanger par dessus ça, et si je fais ça après je n'aurais plus la possibilité de revenir sur truc, etc"...bref, il faut être assez rigoureux).

Généralement un artiste reste cantonné à son style qu'il a durement concquis pour que cela fasse "harmonieux". Dificile pour lui de changer de style, ça demande de nouveaux modèles, de nouvelles techniques. En numérique tu peux te lâcher, essayer tous les styles, sans perte de temps.

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En tout cas, se fixer une limite de temps semble une bonne idée, vu qu'on fait "chaque jour un peu mieux" dans l'espace d'une heure. Alors qu'en se laissant un temps indéterminé on peut prendre de mauvaises habitudes...

Pour le doigt barbouilleur, donc, c'est "idéologique" (pas dans les codes du speed-painting), ou simplement guère plus efficace pour obtenir le résultat voulu ? En même temps, il est vrai qu'une peinture constituée uniquement de petits traits de pinceau a un certain charme.

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Le doigt barbouilleur est bien mais à ne pas en abuser pour les débuts car:

- Il permet de faire des nuances d'une couleur à l'autre, ou d'arrondir des angles, de flouter une zone, etc. Or, on doit savoir faire ça sans le doigt barbouilleur. Et comme tu le dis les brush à secs, sans barbouilleur donne du charme, donne une certaine dynnamique. En fait l'idée c'est de savoir restranscrire un effet visuel en ajustant l'opacité, les nuances, etc. Si le doigt barbouilleur le fait à ta place il risque de prendre quelques libertés et au fond tu ne maîtrises pas l'effet.
Cependant si tu utilises le barbouilleur à bon escient je crois que c'est le résultat qui compte, à toi de voir si ça te convient. C'est un peu comme les effets appliqués type "aquarelle" ou autre, si le résultat restranscrit ce que tu veux alors pourquoi pas.

Un exemple sur cette video, le mec entre la minute 08:35 et 08:38 prolonge les poils de la bête. Avec l'outil barbouilleur c'aurait été faisable de balancer quelques coups vers le bas pour faire filer des poils avec cet effet un peu trempé. Mais il utilise un brush, ça fait des bords plus netstout en gardant l'aspect mouillé des poils. Ton doigt barbouilleur t'aurait fait un flou dégueulasse, genre cache-misère.

http://www.youtube.com/watch?v=C9G_Tpki ... re=related

L'exemple typique de la mauvaise utilisation du doigt:
http://www.youtube.com/watch?v=GOT1M2pY ... ure=relmfu

Sinon, hier j'ai entamé un truc, et là pour le coup on peut dire que j'ai abusé des moyens faciles pour arriver à mes fins:

http://a5.sphotos.ak.fbcdn.net/hphotos- ... 2386_n.jpg

Image 1: je balance une ambiance, la couleur générale qui me plairait.
Image 2: je balance les grandes lignes de ce que je veux, c'est à dire une forêt humide sombre mystique qui contraste avec une lumière blanche (fameuse lumière blanche utisé dans Killzone 1 et dans Vagrant story, ça donne une bonne ambiance). Niveau composition déjà y'a l'idée d'un cadrage un peu oblique, ça donne une bonne dynamique (dans la plupart des comics, tu verras jamais des lignes horizontales ou verticales, c'est à base d'obliques).

Image 3: j'ai pas le temps de me taper une peinture de toute la végétation, donc je chope une photo sur google que je met en Overlay, de cette manière ça se fond sur la lumière que j'avais choisie sur le calque précédent. Pareil pour le cours d'eau, et IMAGE 4 je mets une autre photo en Overlay. Je gomme par-ci par-là.

Image 5: je rajoute un cerf, copier-coller, purement. Je change les contrastes et la lumière pour qu'il s'adapte bien à l'ensemble.

Image 6: je rajoute un calque pour donner un effet de brume, quelques coups de brushs floutés mis en Darken.

Image 7: là j'ai ce que je voulais. Maintenant on entame la peinture PAR-DESSUS. Je place les détails que je veux, les éléments, des fleurs, des ombres, etc.

Avant l'image 7 on peut presque parler de tricherie complète. Mais dans la mesure où ça m'a donné très rapidement le supposé rendu final que je veux, ensuite je peux rentrer dans le détail sans problème.
J'ai déjà essayé de faire de bout en bout une peinture, mais le rendu final, après un temps perdu énorme, n'a pas rendu l'ambiance que je cherchais.

Alors ya deux points de vue extremes:
- soit on veut pas tricher et faire de A à Z une peinture, mais dans ce cas faut être sur de ce qu'on fait. Autant dire qu'un débutant va galérer et perdre du temps.
- soit on passe son temps à tricher et dans ce cas c'est génial on fait ce qu'on veut mais on acquière jamais aucune technique (Exemple je n'ai pas appris à dessiner un cerf, je n'ai pas cherché à dessiner chaque brin d'herbe, alors que certains le font.)

L'idée c'est:
- d'alterner entre de la grosse triche, et d'apprendre des techniques pour plus tard ne plus avoir à tricher.

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Je kiffe tes dessins.

Voici une configuration pour commencer un digital. S'il y a une étape que vous ne comprenez pas, soit postez votre étape, soit expliquez le problème: on pourra ainsi rajouter des sous-étapes expliquées.

Choisissez un brush dur, c'est à dire qui ne soit pas flou sur les bords, il faut que ce soit "net". Prenez le basique cercle.

http://a4.sphotos.ak.fbcdn.net/hphotos- ... 0953_n.jpg

Il y a ensuite disons 2 choses à savoir, et ensuite tout est histoire de connaissances (lumières, perspective, truc muche et toussa)

- I - vous devez pouvoir faire un trait avec votre brush qui garde les dimensions choisies et la couleur choisie (noir, pour l'exemple).

- II - Vous devez pouvoir faire un trait avec votre brush qui garde les dimensions choisies MAIS qui perde en opacité en fonction de la pression de votre stylet.

- III - Vous devez pouvoir faire un trait avec votre brush dont les dimensions dépendent de la pression appliquée avec votre stylet, tout en gardant la couleur d'origine (noir).

- IV - Vous devez pouvoir faire un trait avec votre brush dont les dimensions et l'opacité varient en fonction de la pression du stylet.

Si vous arrivez à configurer ces 4 variantes alors vous êtes prêts pour la suite.

http://a5.sphotos.ak.fbcdn.net/hphotos- ... 3896_n.jpg

On se lance:

1: avec un brush classique faites un cercle avec l'option "pression". Comme ça vous avez pas un trait trop "réglé", la pression rend plus artisanal votre travail...plus humain...moins numérique...
2: Vous pouvez prendre un autre calque histoire de pas barbouiller sur le trait que vous venez de faire. Colorier en rouge, ou en vert, comme vous voudrez. C'est une couleur d'aplat on va dire.
3: La première étape qui se corse ^^ : je pars du principe que vous connaissez quelques bases sur la "lumière", donc naturellement la couleur originelle de votre pomme est plus claire sur la partie éclairée...donc choisissez une nuance claire de votre rouge, à la limite du blanc (prenez votre pipette et choppez ma couleur sur l'image sinon...). Vous passez votre brush avec une option "opacité" et avec la pression du stylet, vous tentez de diffusez la couleur de manière réaliste sur une surface convexe.
4: faites pareil de l'autre côté de la pomme, là où vient se placer naturellement l'ombre. IMPORTANT quand vous faites les ombres ou la lumière d'un objet, prenez les nuances à partir de la couleur d'origine. Si votre pomme est rouge, allez pas prendre un noir d'après un orange, ni un jaune claire pour la zone illuminée. Vous restez avec le rouge, c'est l'opacité, les nuances, la saturation qui vont vous servir pour les ombres et lumières (après il est dit "qu'un objet reflete la couleur de l'objet voisin, du ciel, de l'environnement et toussa" > oui mais on en est pas là.)
5: Marquez encore plus votre ombre avec un noir pur et avec l'option "opacité". J'ai placé la recette en dessous pour que vous remarquiez bien l'addition.
6: Il s'agit avec votre pipette de prendre la couleur au centre de la pomme (ce n'est plus vraiment le rouge de base, même si vous ne le remarquez pas il a été légèrement mélangé avec l'ombre et la lumière et sa nuance a changé). En guardant l'option "opacité" il s'agit de fondre le rouge dans l'ombre, et inversement vous reprenez la pipette sur l'ombre et brushez vous le rouge, pour que les couleurs soient moins brutes. L'ombre était trop découpée (même si ça peut donner un style). Donc pour ceux qui pensent que le brush "flou" est nécéssaire, il ne l'est pas. Il faut s'entrainer un peu pour fondre les couleurs avec l'option "opacité".

7: ce qu'on appelle les points "speculars", c'est grosso modo selon la matière, mais comme nous avons une pomme lisse, elle renvoit très bien la lumière. Il s'agit de mettre du blanc sur le point culminant du relief, celui qui est touché premièrement par la lumière. Donc, un brush aux petites dimensions. Ca donne plus de vie.

8: ensuite l'environnement rend plus crédible votre objet. Donc parfois un objet est assez moche sans son environnement mais peut gagner en coolitude entouré d'un peu d'herbes, d'ombrages, etc.

http://a3.sphotos.ak.fbcdn.net/hphotos- ... 9850_n.jpg

Voilà, normalement vous devez arrivez plus ou moins au même résultat. Si même avec de l'entrainement une étape vous échappe, postez votre problème.

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Un test d'après un screenshot de FF12, pas fini:

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